Introducción
Allan Kaprow inventó el término “Happeninig” en 1958. Los Happenings se refirieron específicamente a formas del performance de vanguardia del final de la década del cincuenta y los comienzos de los sesenta en los que los varios medios (pintura, música, danza, etc.) fueron camuflados como cosas cotidianos (periódico, ruido, movimientos del cuerpo, etc.) y mezclados en espacios "celebratorios". Los Happenings fueron casi teatrales, rompieron las fronteras entre las artes. La mezcla radical parecía envolver al espectador en una escala ambiental, creando una "escena".
Durante el apogeo norteamericano de los Happenings, a partir de 1958, Kaprow era conocido como su primer teórico y practicante.
Influencias
Jackson Pollock y John Cage fueron las dos grandes influencias que dirigieron Kaprow a los primeros Happenings. El trabajo de Pollock, basado en el “action-painting”, inspiró a Kaprow a experimentar más allá de la base de la pintura tradicional. En 1958 en un artículo de ArtNews; "The Legacy of Jackson Pollock," Kaprow escribió que sus lienzos eran tan inmensos y envolventes que dejaron de ser pinturas y llegaron a ser ambientes. Ellos marcaron una nueva forma de arte en que la acción predominaría sobre la pintura. Objetos de cualquier clase se convierte en el material del nuevo arte: pintura, sillas, alimentos, luces de neón, humo, agua, calcetines viejos, perros, películas, y mil otras cosas.
La otra gran influencia fue John Cage. Entre 1956 y 1958 Kaprow estudió composición musical con Cage en la New School for Social Research en Manhattan. Los conceptos de Cage sobre la indeterminación y el cambio como medios válidos en la organización (y desorganización) estética fueron elementos influyentes en el pensamiento de Kaprow. La dirección de Cage iba “más allá” del teatro donde él pensaba que se podía existir una efectiva integración entre arte y vida. En 1957/8 Kaprow comenzó a crear trabajos ambientales que demandaron la participación del público (una idea que provenía de los experimentos de Cage), y esta integración del espacio, los materiales, el tiempo y las personas llevaron finalmente a las piezas más experimentales.
Happening
El primer trabajo de este tipo se llamó “18 Happenings in 6 parts", presentado en octubre de 1959 en la Reuben Gallery en Nueva York. Es a partir de este performance que el termino Happening se deriva. Originalmente indicaba una producción determinada, ensayada y heterogénea. La palabra ha recogido la connotación de un acontecimiento espontáneo y no dirigido. Kaprow dividió el espacio en tres sectores con paredes plásticas claras. Los tickets de entrada dirigían a los visitantes a asientos específicos en cada espacio, en tiempos particulares y con movimientos estrictamente coreografiados. Ellos presenciaban, entre otros acontecimientos, una chica que exprime naranjas, un artista que enciende fósforos y pintura, y una orquesta de instrumentos de juguete. Rauschenberg, Jasper Johnes, Alfred Leslie, y Lester Johnson fueron algunos de los performers. A pesar de haber sido redactados y planeados previamente, los primeros Happenings de Kaprow mantuvieron su espontaneidad. Esto fue porque no tenían la estructura usual del teatro como diálogo, trama, personajes, o actores profesionales, y ninguna semejanza a las artes visuales tradicionales.
Para él la práctica del arte es más que la producción de obra; implica también el esfuerzo disciplinado del artista para observar, comprometer, y para interpretar los procesos de vida, que son a sí mismo tan significativos como casi todo el arte, y ciertamente más basado en la experiencia común. (De hecho, son la experiencias comunes). Kaprow puede ser descrito como un artista que realiza “lifeworks”. Para él, el contenido de la vida cotidiana –comiendo las fresas, sudar, saludar al encontrar alguien nuevo- son solamente el tema del arte. Ellos son el significado de la vida.
“When you do life consciously, however, life becomes pretty strange: paying attention changes the thing attended to, so the Happenings were not nearly as lifelike as I had supposed they might be. But I learned something about life and “life”. A new art/life genre therefore came about reflecting equally the artificial aspects of everyday life and the lifelike qualities of created art. For example, it was clear to me how formal and culturally learned the act of shaking hand is: just try to pump a hand five or six times instead of two and you’ll cause instant anxiety.”
(Essay: performing life, 1979)
Porque Kaprow ve casi todo el arte como una convención (o un conjunto de convenciones) porque el significado de la experiencia es encuadrado e interpretado. Él propone fijarnos en los significados de la experiencia más que en los significados del arte (o la "experiencia del arte"). El se apropio de las convenciones de la vida cotidiana: cepillarse los dientes, subirse al autobús, vestirse delante de un espejo, telefonear a un amigo, cada una en su propia forma. La noción de Kaprow de "formas" refierean a una preyeccion de nuestros sistemas mentales como metáforas no como ideales universales. Plantillas para la experiencia moderna, las “formas” son situacionales, operacionales, estructurales, sujetas a la reacción, y abiertas al aprendizaje.
Participación
Dentro de la naturaleza provisional de estas plantillas encontramos la fe de Kaprow en la función comunicativa del arte. Pero la comunicación en arte tiende a fluir en una sola dirección; a partir del artista a través de un medio hacia la audiencia. A nosotros, la audiencia, se nos ha "comunicado" algo que es parte de la experiencia creativa del artista. Pero para Kaprow la comunicación implica un flujo recíproco, y esta reciprocidad no puede ser pasiva sino debe participativa. Por supuesto, podemos decir que cualquier trabajo artístico, por convencional que sea, siempre es "experimentado" por la audiencia, y que tal experiencia implica una interpretación, y esto constituye una forma de la participación. Pero eso fuerza el sentido común. Los actos de consideración pasiva (como la interpretación), por crítica o sofisticada que sea, nunca serán participación. Para Kaprow son solamente buenos modales.
Kaprow piensa que la participación es todo: compromete nuestras mentes y cuerpos en acciones que se transforman el arte en experiencia y la estética en significado. No fue la estética la que dio significando a la vida; fue la vida que dio significando a la estética.
Locación
Los primeros Happenings sucedieron en galerías, aunque Kaprow de hecho evitaba cada vez mas estas locaciones, y su trabajo consecutivo llega a ser más libre, dejando espacio para el accidente. Alejandose asi del teatro en su manera de tratar la audiencia, el espacio y el tiempo. Los Happenings fueron producidos en sitios industriales, rurales y residenciales. A mediados de los sesentas Kaprow ya exploraba una noción geográfica del lugar realizando Happenings en ciudades diferentes, simultáneamente o en tiempos inespecíficados. En su manifiesto de 1966 escribió “art and life are not simply commingled; the identity of each is uncertain. To pose these questions in the form of acts that are neither artlike nor lifelike while locating them in the framed context of the conventional showplace is to suggest that there really are no uncertainties at all: the name of the gallery or stage door assures us that whatever is contained within is art and everything else is life”. Y precisamente porque el arte puede ser confundido con la vida, fuerza la atención sobre el objetivo de sus ambigüedades para "revelar" la experiencia.
Documentación
Otro problema de Kaprow fue la documentación, especialmente la fotográfica, por dos objeciones prácticas que surgieron casi inmediatamente: ¿cómo podría representar la fotografía adecuadamente un proyecto multimedia tal como era un Happening? La bidimensionalidad, el instantante congelado, parecía contradecir completamente los propósitos del multidimensional, empírico y time-based Happening. La segunda objeción era que los participantes comenzaban a "actuar", no solo para la audiencia sino también para la cámara. Para solucionarlo en sus primeros Happenings Kaprow manipuló el papel del fotógrafo. En Karlheinz Stockhausen’s Originale (1964) los participantes cogían cameras y fotografiaban la audiencia como acción final del Happening. En Chicken (1962), incluye periodistas y a fotógrafos en el casting. Él, sin embargo, no estaba de acuerdo con la dimensión de espectáculo que la fotografía parecía introducir en sus Happenings. Por eso Kaprow comenzó a limitar el uso de la fotografia únicamente a los participantes. Ellos vendrían a una reunión preliminar a repasar los guiones o instrucciones de trabajo, y cualquier fotografia hecha en el proceso sería integrada al Happening.
Reinvención
Personas e instituciones de todo el mundo continuaban solicitando los Happenings de Kaprow. Esto fue su dilema creativo en los noventas. Queriendo continuar su trabajo en el presente, él se resistió a re-escenificar sus “greatest hits”. En vez de eso, construyo una estrategia donde se ofrece como sponsor de la "reinvenciones" de Happenings previos.
Para Kaprow, esta fue una manera de evitar lo que consideraba la osificación de sus Happenings en un museo dentro de una exhibición retrospectiva. La idea era retener la metáfora principal de cada trabajo según las condiciones del presente con resultados imprevisibles.
Un artista que compone y repite sus acciones se convierte en su propio medio. Recordar puede iluminar al resto, pero para Kaprow esto puede romper la experiencia original. Por eso, cuando es llamado a presentar su trabajo anterior, él encuentra más interesante reinventar su historia. Además, cuando todo esta dicho y hecho ¿la carrera de quien no es esencialmente una ficción?
Workshop
Otra innovación en los años noventa fue el workshop. Él los ofrecía a estudiantes y patrocinadores, entre comisiones públicas y actividades privadas o pedagógicas. Durante una semana o más, estos seminarios prácticos traducen los juegos propios de los niños a un nivel académico, permitiendo a Kaprow experimentar las ideas básicas de su Happenings.
Conclusión
El precio de regresar la experiencia al arte era que arte se convierte en gerundio. Podía ser experimentado sólo momentáneamente. Una vez que la acción se detiene, el arte se transforma en artefacto, memoria, historia, teoría, y anécdota conformadas por experiencias de personas. El arte se lanzó lejos. ¿Pero que es lo que queda de cincuenta años de lanzar el arte lejos?
“Life remains. The Awkward embrace, the prolonged handshake, the forced smile, the passing thought, the silent partner, the abandoned plan, the mirrored reflection, the dry mouth, the heated body, the recorded pulse, the missed phone call, the heavy baggage, the domestic squabble, the endless sweeping, the big laugh, the small sigh, the highs and lows, the dead bugs, the traded dirt, the waiting, waiting, waiting. For in these and a thousand other things, may be found instances of the meaning of life, if we attend to them with all our wits, as artists might.”
Finalmente entonces lo que nos queda es todo lo que implica el proceso, la experiencia de aprender. Y eso es lo que nos mueve a evolucionar.
Epílogo
Antes de morir, Kaprow estaba trabajando en una exhibición retrospectiva “Art as Life” comisariada por Eva Meyer-Hermann y Stephanie Rosenthal. La exhibición se inauguró en Octubre del 2006 (medio ano después de su muerte) en “Haus der Kunst” en München y viajo a “Van Abbemuseum” en Eindhoven y “Kunsthalle” en Bern. Actualmente esta siendo mostrada en “Museo di Arte Contemporanea di Villa Croce” hasta el 10 de Febrero del 2008. Así, sin su presencia, sus Happenings siguen siendo reinventados porque “life goes on”.
http://www.kaprow.org/
